Zur europäischen Theaterlandschaft vom ausgehenden 16. bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts gehörten neben der Commedia dell’Arte noch eine Reihe weiterer konkurrierender Theaterformen. Den Mysterien und dem Fastnachtsspiel folgten protestantisches Schultheater und katholisches Ordenstheater, insbesondere das Jesuitentheater. Wanderbühnen boten Haupt- und Staatsaktionen. Im höfischen Barocktheater triumphierten Oper, Ballett, Singspiel und Schäferspiel, im Prunk der Ausstattung oftmals noch übertroffen durch Ein- und Umzüge, Maskenbälle und Illuminationen. Der Kampf um „regelmässige“ Dramen, Komödien und Tragödien, wurde entfacht gegen ein Theater der Szenarien und der Improvisation. Die simultanen Flächen- und Raumbühnen wichen den neutralen Sukzessionsbühnen, die perspektivische Bildbühne der Renaissance wurde ersetzt durch Telarien, diese schliesslich durch Kulissen. Die Vorlesung versucht, der Vielfalt von Theater zur Zeit des Barock gerecht zu werden.

In ‚Zur Philosophie der Kultur’ (1911) schreibt Georg Simmel, „daß die Frau [...] mit ihren künstlerischen Leistungen gerade da versagt, wo die strenge Geschlossenheit der Form prävaliert: im Drama“. Das hier diagnostizierte weibliche Versagen korrespondiert mit dem Fehlen von Dramatikerinnen und ihren Werken in einschlägigen Dramengeschichten. Gegen eine solche Nichtbeachtung und Missachtung wiederum sprechen aber etwa die verschiedentlich hervorgehobenen Verdienste von Luise A. V. Gottsched um die deutsche Komödie, die Aufführungsstatistiken der Stücke von Charlotte Birch-Pfeiffer, die Feststellung eines Kritikers der Weimarer Republik (Hans Kafka), „eine Phalanx [...] wirksamer Dramatikerinnen“ erobere die Bühne „mit neuen Themen und Formen“, oder die Verleihung des Nobelpreises an Elfriede Jelinek. In diesem Seminar sollen ausgewählte Werke von deutschsprachigen Dramatikerinnen (vom 18. Jahrhundert bis zur Gegenwart) in den Blick genommen und unter verschiedenen Aspekten analysiert werden: Gattungspoetologische Fragen werden ebenso diskutiert wie aufführungs- und gendertheoretische, Strukturanalogien zwischen Texten und gesellschaftlichen Erscheinungsformen gilt es zu untersuchen wie auch paradigmatische Themen, den spezifischen Sprachgebrauch und Aufbau der Dramen. Dabei soll – rekurrierend auf Simmels Kritik und Kafkas Feststellung – insbesondere überprüft werden, inwiefern gerade in Umbruchzeiten Dramatikerinnen vermehrt hervortreten, die sich kanonischen Themen sowie strengen, geschlossenen Formen verweigern beziehungsweise diese aufsprengen. Neben der Lektüre und Diskussion der Texte sollen Aufzeichnungen von Vorstellungen sowie – je nach Angebot – aktuelle Aufführungen besprochen werden.

Seit den 1970er Jahren wird die europäische Theaterlandschaft maßgeblich von Künstlern geprägt, die unabhängig vom Stadt- und Repertoiretheater ihre eigenen Theatersprachen und Ästhetiken entwickeln. Sechs ausgewählte Inszenierungen von wichtigen Gruppen und Künstlern, die das Theatergeschehen und das Nachdenken über Theater in den vergangenen Jahrzehnten maßgeblich geprägt haben, sollen im Seminar visioniert und diskutiert werden. Die Studierenden sollen zum einen wichtige Inszenierungen und die verschiedenen Ästhetiken einzelner Gruppen kennenlernen und ihre Stilmittel beschreiben lernen. Zum anderen sollen anhand der den Beispielen zugeordneten Texte theoretische Fragestellungen (Szenographie, Spielhaltungen, Dramaturgie, Theatersituation) erörtert werden, die für ein zeitgenössisches Theaterschaffen nach wie vor relevant sind. Folgende Inszenierungen sollen behandelt werden (Ergänzungen sowie Änderungen, je nach Filmmaterial, sind möglich!):

• Performance Group (Regie: Richard Schechner): Dionysos in ´69
• The Wooster Group (Regie: Elizabeth Le Compte): House Lights
• Robert Wilson, CivilWars (Kölner Teil)
• Needcompany (Regie: Jan Lauwers), Macbeth
• Pina Bausch, 1980
• Jan Fabre: Die Macht der theaterlichen Torheiten

Die Entwicklungen des Theaters im 19. Jahrhundert bedeuteten für die österreichische Theaterlandschaft einschneidende Veränderungen, die bis heute das Theater im deutschsprachigen Raum prägen. Zensur, Sprachkritik, Parodie und die sich neu entwickelnde Stadttheater-Kultur prägten das Theater des 19. Jahrhunderts entscheidend. Anhand der drei Exponenten des österreichischen Theaters, Franz Grillparzer, Johann Nestroy und Ferdinand Raimund, wird die Geschichte des österreichischen bzw. Wiener Theaters und ihrer Auswirkungen beleuchtet. Ebenso wird das Spannungsfeld zwischen dramatischer Produktion und ihrer Darstellung im Seminar behandelt. Das bietet sich besonders an, da etwa Raimund neben seiner Tätigkeit als Dramatiker auch Schauspieler und Regisseur war und seine Tagebuchaufzeichnungen sowohl über sozioökonomische Bedingungen als auch Spielpraxis Auskunft geben. Dasselbe gilt für Nestroys Biographie und Werk, er war Schauspieler, Dramatiker, Regisseur und Theaterdirektor. Entsprechend wird im Seminar die Beziehung zwischen dem Wiener Theater und dem gesellschaftlichen Umfeld in seinem historisch-politischen Kontext situiert. Die genannten Schwerpunkte werden anhand von Originalmanuskripten (die in Kopie zur Verfügung gestellt werden) überprüft und diskutiert.

Ausgehend von einer historisierend-kritischen Betrachtung des Opernbegriffs widmet sich das Seminar der gemeinsamen Geschichte von Commedia all’improvviso und Oper, der „two most typical forms of Italian theater“ (Nino Pirrotta), von der Mitte des 16. bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts. Dabei soll Oper als ein Teil von Theatergeschichte begriffen und auf der methodischen Basis von Theatergefügen ins Verhältnis zur Commedia all’improvviso gesetzt werden. Es werden ebenso die vermeintlichen „Vorläufer“ der Oper angesprochen wie Madrigalkomödie oder die Intermedien beim Florentiner Hoffest 1589 wie der Übergang der Wahnsinnszene von den virtuosen Darbietungen der Commedia all’improvviso zur venezianischen Oper. Weitere Schwerpunkte des Seminars bilden die Opernparodien des Ancien und Nouveau Théâtre Italien sowie die Opern/Singspiel-Experimente des Wiener Schauspielers und Impresarios Joseph Felix von Kurz-Bernardon.

Die Vorlesung verfolgt den Weg der Commedia dell’Arte durch Europa. Beginnend im Italien des 16. Jahrhunderts werden ihre Wandlungen und ihre Spezifika erörtert. Welche Unterschiede zu anderen Theaterformen wie der florentinischen Sacra Rappresentazione, der frühen Oper oder der Commedia erudita lassen sich feststellen? Welche Bühnen wurden bevorzugt? Welche Organisationsformen der Berufsschauspieler lassen sich nachweisen? Wie geschah die Assimilation des Arlequin in Paris? Wie wirkte die Comédie italienne auf die italienische Theaterlandschaft zurück? Warum kam es in Wien zu einer weiteren „Geburt“ der Commedia dell’arte? Im Kontext des geistlichen, höfischen und des Humanistentheaters der Renaissance soll die Frage geklärt werden, warum das Theater schlechthin als ein „spätes Kind“ der Renaissance bezeichnet werden muss. Am Ende steht die Frage nach dem Zusammenwirken aller Komponenten, die die Theatralität einer Zeitspanne oder Epoche ausmachen: Kann die Theatralität der Renaissance erschlossen werden aus dem Beziehungsgeflecht zwischen unterschiedlichen Theaterformen, der Theatralisierung des Lebens, der gegen Theater gerichteten Konzepte und der diese drei Bereiche hinterfragenden Commedia dell’arte?

Als Übung zur Vorlesung „Theater in der Renaissance“ führt die Exkursion über das den Architekten der Renaissance als Studienobjekt dienende Amphitheatrum von Verona und das Teatro Scientifico Bibiena von Mantua (1769) zum Teatro Olimpico in Vicenza (1585), weiter zum Theater in der Idealstadt Sabbioneta (1590) und zum Teatro Farnese in Parma (1618/28). Letztere drei Theatergebäude können als Keimzellen der neuzeitlichen Theaterarchitektur gelten. In ihnen wird das produktive und folgenschwere Missverständnis sichtbar, das Theaterschaffende und Architekten bei ihrem Versuch, antike Verhältnisse wiederherzustellen, einholte. Und sie zeigen die Bühne als Weltersatz (anstelle von Weltwiedergabe) sowie die Transformation des Theaters von einem Ort des öffentlichen Lebens hin zu einem Ort der Repräsentation des Politischen. Eine detaillierte Ausschreibung der Exkursion wird Mitte Februar 2008 in der ersten Vorlesung kommuniziert. Die Lehrveranstaltung umfasst zwei obligatorische Vorbereitungs- und eine Nachbereitungssitzung à 2 Stunden. Es werden Arbeitsgruppen gebildet, die vor Ort die Theater in einem Kurzreferat vorstellen. Da Vorlesung und Exkursion ein Modul bilden, entbindet der Leistungsnachweis innerhalb der Übung vom Test in der Vorlesung.

Die Vorlesung situiert das geistliche, das höfische und das Humanistentheater der Renaissance im Kontext der anderen Künste. Warum wird das Theater als ein „spätes Kind“ der Renaissance bezeichnet? Inwieweit widersprechen Grundsätze der Baukunst, der Malerei und der Literatur, die das geistige Leben prägten, dem Wesen von Theater? Staats- und Repräsentationskunst, Theatralisierung des Lebens, Sozialutopien und die „ideale Stadt“, schliesslich verwirklicht auf dem Theater, werden ebenso angesprochen wie die Intermezzi, die Anfänge der Oper und die Bühnenformen der Renaissance.