Die tänzerische Bewegung stellt für die wissenschaftliche Analyse eine besondere Herausforderung dar. Sie entzieht sich der Fixierung und dadurch einer Schematisierung durch festgeschriebene Untersuchungsmethoden. Trotzdem entwickelt die Tanzwissenschaft Analyseverfahren, die den Spezifika von Tanz begegnen sollen. Wie kann der tanzende Körper im Rahmen der Aufführungsanalyse verortet und untersucht werden? Wie ist seine choreographische Inszenierung zu analysieren und wie bewegt er sich überhaupt? In der Übung untersuchen wir verschiedene Modelle zur Systematisierung von tänzerischer Bewegung, angefangen bei Susan L. Fosters «Reading Dancing» aus dem Jahr 1986. Ziel ist es, ein grundlegendes Instrumentarium zur Tanzanalyse zu erarbeiten. Deren Unzulänglichkeit soll dabei stets mitgedacht werden und nach Möglichkeit zur Diskussion von neuen Lösungsansätzen führen. Nebst einem Blick auf die historische Entwicklung werden wir die Verfahren kritisch diskutieren und in der praktischen Anwendung überprüfen. Vorgesehen sind hierzu Vorstellungsbesuche von Maguy Marin, Anna Huber, Thomas Hauert und Alain Platel, die im Rahmen des Festivals Tanz In. Bern in der Dampfzentrale gastieren.

Ein Ordner mit ausgewählten Texten wird zu Semesterbeginn bereitstehen.

In der Geschichte des Modernen Tanzes führt Bewegungsforschung immer wieder zur Entdeckung neuen tänzerischen Materials. Während im Ausdruckstanz die Suche nach dem individuellen Bewegungsausdruck im Vordergrund stand, ist es Choreographen wie Merce Cunningham um variierbares Material jenseits einer persönlichen Einschreibung getan. In zeitgenössischen Tanzproduktionen schliesslich ist Forschung am und durch den Körper Thema der künstlerischen Auseinandersetzung selbst geworden. Als Methoden dienen den Künstler/innen in der Regel improvisatorische Verfahren. Durch körperliche Interaktion, durch Zufallsordnungen oder andere räumliche und zeitliche Strukturierungsvorgaben versuchen sie, das Bewegungsspektrum des tanzenden Körpers aufzusprengen. Entsprechend hat die Bewegungsforschung in der künstlerischen Praxis meist die Bewegungsfindung sowie die kritischen Befragung derselben zum Ziel. Die Tanzwissenschaft erforscht demgegenüber spezifische Bewegungsweisen, -formen und -techniken durch Beobachtung, Analyse und Interpretation. Sie untersucht, wie das zeitlich-flüchtige Phänomen der Bewegung aufgezeichnet, dargestellt und für die wissenschaftliche und künstlerische Arbeit archiviert werden kann. Die Übung möchte beide Herangehensweisen in produktiver Verbindung fruchtbar machen, indem praktische und theoretische Konzepte der Bewegungsforschung diskutiert und am eigenen Körper erprobt werden. Die Veranstaltung findet in Zusammenarbeit mit Tina Mantel, Projektleiterin des Bachelor Tanz der Zürcher Hochschule der Künste statt, und wird als sechsteiliger Blockkurs abwechselnd in Bern und Zürich durchgeführt. Die Teilnehmenden sind selbst für die Organisation der Reise zuständig.

Der Virtuose gilt gemeinhin als meisterhafter Beherrscher seiner Metiers. Kritisch wird ihm aber – historisch immer wiederkehrend – auch etwa der „Effekt[] um jeden Preis“ unterstellt, er wird als geistlos oder gar als kunstfern bezeichnet. Im Seminar soll es um verschiedene Konzepte von Virtuosität gehen, um affirmative sowie um kritische. Dabei steht die Tanzkunst im Vordergrund: Spitzentänzerinnen, „Pirouettenschleudern“, „Sprungkönige“, „Crash-and-burn-dancers“ usw. Freilich werden aber auch Virtuositätsdebatten aus dem Schauspielbereich, der Musik usw. herangezogen. Der historische Schwerpunkt liegt dabei v.a. im 19. Jahrhundert, frühere und spätere (bis heutige) Diskurse sollen aber – je nach Fokus – ebenfalls Gegenstand der Diskussion sein. Je nach Angebot werden auch Aufführungen besucht.

Choreographische Kreationen, in denen das künstlerische Konzept im Vordergrund steht, ohne dass auf der Bühne im herkömmlichen Sinn getanzt wird, bezeichnet man seit einigen Jahren u. a. als ‚Konzepttanz’ oder ‚Non Dance’. Dieses junge Genre erscheint denn auch den einen als „das Ende von Tanzkunst“ (Schmidt 428) schlechthin, den anderen als Inbegriff des Zeitgenössischen. Dabei sind auch die Begriffe ‚Konzepttanz’ oder ‚Non Dance’ höchst umstritten. Was ist mit dem jeweiligen Begriff und dem, was er bezeichnet, gemeint? Wer verwendet ihn wie und in welchem ästhetischen bzw. theoretischen Sinne? Anhand von theoretischen Texten zum Thema sowie an ausgewählten Beispielen (etwa Kreationen von Jérôme Bel, Xavier Le Roy, Meg Stuart, Simone Aughterlony usw.) sowie – je nach Angebot – aktuellen Aufführungen sollen Konzepte des Konzepttanzes erfasst, überprüft, diskutiert und hinterfragt werden.

Ausgehend von drei zentralen Begriffen – Technik, Ausdruck, Rezeption – sollen in der Vorlesung grundlegende Fragen zur Tanzkunst und -wissenschaft behandelt werden wie: Was ist überhaupt Technik im Tanz? Welche Rolle spielt die Technik bzw. spielen Techniken in der Definition, im Ausdruck, in der Wahrnehmung / Rezeption von Tanz? Wie verhält sich die jeweilige Technik zur Ästhetik der Tanzkunst und zu Bewegungs- bzw. Körpervorstellungen – historisch, kulturell, stilistisch? Wie wird Tanztechnik vermittelt, erlernt, ausgedrückt, auf die Bühne gebracht oder auch verweigert? Was versteht man (jeweils) unter ‚Ausdruck’ im Tanz? Wie wird er wahrgenommen? Und schliesslich: Inwiefern sind tänzerischer Ausdruck und Tanzrezeption vermittel- und theoretisierbar? Diese und weitere Fragen gilt es zu erörtern, anhand von Beispielen zu veranschaulichen und gegebenenfalls weiter zu hinterfragen. Dabei soll auch ein Einblick in wichtige Strömungen / Ereignisse der Tanzgeschichte vermittelt werden. Die Vorlesung geht nicht chronologisch vor, vielmehr springt sie je nach Fokus weiter in die Vergangenheit zurück, oder blickt auf unsere Jetztzeit. ‚Tanzgeschichte 3: Technik, Ausdruck, Rezeption’ ist der dritte Teil einer vierteiligen Vorlesungsreihe. Die einzelnen Teile können jedoch unabhängig voneinander und auch einzeln besucht werden.

Jede Aneignung von Bewegungsmustern, Schritten und Techniken operiert mit dem Erinnerungsvermögen des Körpers und seinem kinästhetischen Gedächtnis. Dieses speichert das Gelernte und macht es als verkörpertes Wissen verfügbar (wobei zum Erinnern auch das Auslöschen, Vergessen und Verdrängen gehören). Das Körpergedächtnis kommt also zunächst im Zusammenhang mit dem Einüben von Tanztechniken und dem Memorieren und (De-)Aktivieren von Bewegungsabläufen zum Tragen. Dabei werden immer auch Erinnerungsspuren gelegt, die den (Tänzer-)Körper in seiner kulturellen Ausformung überhaupt erst hervorbringen. Im tanzenden Körper steckt demnach ein bestimmtes Wissen, ein Archiv von Erfahrungen, das wiederum geprägt ist von der kulturellen Situation und ihren Diskursen, in denen es sich herausgebildet hat. Dieses biologische, biographische, individuelle und kollektive Körpergedächtnis soll anhand verschiedener theoretischer Positionen diskutiert und an Beispielen von Wim Vandekeybus, Martin Nachbar und William Forsythe veranschaulicht werden. Eine praktische Sitzung wird sich zudem der Gedächtnisleistung des eigenen Körpers widmen.

Vor dem Hintergrund einer technologisch geprägten Körper- und Bewegungskultur, die erfahrungsarm und zugleich erlebenshungrig von Wünschen nach strahlender Präsenz, nach ungebrochener Identifikation und nach authentischer Erfahrung geprägt ist, widerfährt nunmehr den kulturellen Praktiken von Tanz ein bildungspolitischer Aufwind. Tanz zu unterrichten wird bedeutsam. Denn gemäß kultureller und bildungsrelevanter Annahmen verspricht das Medium Tanz einen lustbetonten und selbstbestimmten Umgang mit sich und seinem Körper. Angewandt etwa im Schulalltag verbindet sich die Annahme, mit Tanz ließe sich leichter, besser und effektiver lernen. Dennoch lassen sich markante Uneindeutigkeiten über pädagogische, didaktische und ästhetische Annahmen und Profile einer zeitgenössischen Tanzpädagogik erkennen. Was Ästhetische Bildung im Tanz ausmacht, ist bislang eher unbestimmt. Stattdessen arbeiten Tanzpädagogiken oft mit einem „ästhetischen Versprechen“, das von der allgemeinen Pädagogik längst einer kritischen Revision unterzogen wurde. Prozesse der Selbstbildung, Reflexionskompetenz und Formen sinnlicher Bezugnahme zur Welt werden unterschiedlichst gehandhabt, ästhetisch ausgedeutet und theoretisiert. Auf der Grundlage aktueller Tanz-Projekte und ihrer filmischen Dokumentation (etwa Rhythm is it) sowie aktueller und historischer Konzepte über Ästhetische Bildung (u.a. aus den Bereichen der Theater- und Kunstpädagogik) sucht das Seminar einen analytischen Blick auf Modelle, Praktiken und Diskursfiguren über Tanz als kulturbildende Praxis zu entwickeln. Formen und Möglichkeiten einer zeitgenössischen Tanzpädagogik werden befragt. Eigene Erfahrungen im TanzUnterrichten sind willkommen, um deren Konzepte u.a. zu reflektieren.