Schnitt und Montage gehören nicht nur zu den basalen Techniken von Dramaturgie, sondern auch zu den Grundmustern wissenschaftlichen Arbeitens. Phänomene, Vorgänge oder Objekte werden beobachtet, klassifiziert, segmentiert und schlussendlich zu einer Aussage, zu einem (Kon)Text montiert. Doch was sind die Prämissen dieses scheinbar objektiven Vorgehens? Lassen sich alle Phänomene und Vorgänge auf Basis der menschlichen Wahrnehmung zergliedern? Und inwiefern läßt sich dabei das Problem einer funktionellen, ‚tödlichen‘ Beschreibung vermeiden? Wie soll das beispielsweise mit dem berühmten stummen Schrei der Mutter Courage funktionieren? Wie mit David Moss’ artifiziellem Gelächter, oder dem Slapstick eines Buster Keaton? Das Proseminar will die Möglichkeiten und Grenzen wissenschaftlicher Analyse erörtern. Semiotische und performative Methoden sollen dabei durch phänomenologische Ansätze ergänzt werden. Den Teilnehmenden wird so die Möglichkeit geboten, ihre Beobachtung zu schärfen und durch wiederholte Beschreibung ihre Methodik zu verfeinern. Schauen, Beschreiben und Schreiben.

Merce Cunningham sucht in der Bühnenkunst, Konkretisierungen eines Unmöglichen zu schaffen, um einen Blick auf die Potentialität des menschlichen Körpers in Bewegung zu eröffnen. Seine Choreographien veräußern hierbei ein ästhetisches Geflecht aus Klängen und Bewegungsereignissen, die stets mit dem Wirklichen und Möglichen verbunden sind, Choreographien, die das Utopische als mentale und physische Prozesse in spezifischen Räumen und Bühnensituationen wahrnehmbar machen wollen. Der diesjährige 90. Geburtstag des amerikanischen Choreographen bietet dem Seminar Anlass, dieses ästhetische Körper- und Bühnenprojekt an der Schwelle zur Postmoderne analytisch und kritisch zu befragen. Wie be- und verhandeln Cunninghams bewegungstechnische, aleatorische und mediale Verfahren den Körper, der stets den zentralen Anlass seiner Arbeit bildet? Wie kann der Körper als utopischer Akteur gedacht werden? Wie operiert das co-präsente Aufführungskonzept und welche Wahrnehmungssituationen werden geschaffen? Wie also ließe sich die Medialität jener choreographierten Körper fassen? Grundlage des Seminars werden filmische Choreografien von Cunningham, Experimente mit dance forms, Auseinandersetzung mit ästhetisch-philosophischen Texten und – soweit vorhanden – Reflexionen eigener Kenntnisse der Cunningham-Technik sein. Ausgiebige Lektüre und der Besuch von gesonderten Sichtterminen werden notwendig sein.

Zu den immer wiederkehrenden Themen der Nobelpreisträgerin Elfriede Jelinek sowohl in Prosa als auch Dramatik zählen Österreichs Umgang mit seiner nationalsozialistischen Vergangenheit, den Tätern und Opfern sowie der jahrzehntelang bediente Opfermythos Österreichs. Jelinek schreibt sich in ihren Texten weder formal noch inhaltlich in Traditionen ein, sondern arbeitet mit Traditionen. Dieser spezifische Umgang mit Geschichte und deren Wirkungsmächtigkeit erklärt auch ihre internationale Bedeutung. Vom Lokalen ausgehend und dieses weit hinter sich lassend, gelingt ihr stets eine umfassende Analyse von Grundsätzlichem. In der Übung sollen sowohl Jelineks dramen- und theatertheoretische Konzeptionen als auch ihre dramatischen Verfahrensweisen anhand folgender Stücke analysiert werden: Burgtheater. Posse mit Gesang; Ein Sportstück; Macht nichts. Eine kleine Trilogie des Todes; In den Alpen; Das Werk für Einar Schleef, posthum; Rechnitz (Der Würgeengel). In einem weiteren Schritt werden wir die vielgestaltigen Umsetzungsmöglichkeiten dieser Dramen für die Bühne sowie deren Rezeption untersuchen und diskutieren.

In Ergänzung zum Grundkurs werden in der Übung Aufführungen analysiert und damit die Beschreibung des Gesehenen erprobt. Zudem stehen praxisorientierte Fragestellungen von Dramaturgie im Zentrum dieser Lehrveranstaltung.
Der Besuch der Übung im Anschluss an den Grundkurs ist obligatorisch und kann nicht in einem anderen Semester vor- bzw. nachgeholt werden.

„Ein Schönes ist, was Anfang, Mitte und Ende hat“ stellt Aristoteles in seiner Poetik fest und gibt damit eine entscheidende Direktive für jede Art von dramatischem Text. Gilt dieses Diktum immer noch? Was macht Gustav Freytag daraus? Wie wehrt sich Brecht dagegen? Was halten René Pollesch und andere zeitgenössische Theatermacher davon? Ausgehend von Aristoteles' Poetik widmet sich die Veranstaltung der Erarbeitung dramaturgischer Grundbegriffe. Anhand ausgewählter Dramen und Aufführungen werden narrative Strukturen und Funktionen hinterfragt und die praktische Umsetzung bzw. die bühnentechnischen Implikationen dieser Texte untersucht. Als Vorbereitung auf den Kurs wird die Lektüre von Aristoteles' Poetik sowie Sophokles' Oedipus rex erwartet. Eine detaillierte Liste der zu diskutierenden Theatertexte und Aufführungen folgt in der ersten Sitzung. Folgende Ausgaben dienen als Grundlage:
* ARISTOTELES: Poetik. Griechisch/Deutsch, hg. und übersetzt von Manfred Fuhrmann. Stuttgart 1982.
* Dramaturgie-Kapitel in: Kotte, Andreas: Theaterwissenschaft. Eine Einführung. Köln 2005. S. 202-222.
* SOPHOKLES: König Ödipus. Tragödie. Übersetzt von Kurt Steinmann. Stuttgart 1986.

Die Vorlesung zu Grundfragen der Dramaturgie und der Aufführungsanalyse ergänzt den Grundkurs „Grundbegriffe Dramenanalyse und Produktionsdramaturgie“. Sie wendet sich an die Studierenden der ersten Semester der Bachelor-Stufe. Die Vorlesung gibt einen Überblick über die wichtigsten Ansätze zur Aufführungsanalyse und führt in die Grundbegriffe der Dramaturgie ein. Aufführungsanalyse gilt seit Max Herrmann als Herzstück der Theaterwissenschaft, deren Gegenstand nicht in erster Linie der dramatische Text, sondern die lebendige Aufführung ist. Aufführungsanalyse stellt Begriffe zur Analyse und Beschreibung von Theaterereignissen bereit. Ihren Gegenstand betrachtet sie dabei als strukturierten Zeichenzusammenhang, mithin als Text. Im Gegensatz dazu geht es der Dramaturgie um die Entwicklung zukünftiger Theaterereignisse. Sie kann sich sowohl auf den dramatischen Text als auch auf den Aufführungstext und dessen Produktion beziehen. Die Leistungen, die im Zusammenhang mit der Vorlesung erbracht werden, werden innerhalb der Grundkursklausur bewertet.

Dieser Blockkurs ergänzt als selbständige Veranstaltung den Grundkurs Dramaturgie/ Aufführungsanalyse. Nach den Projekten 2007 und 2008 setzen wir auch im FS 2009 die Zusammenarbeit mit der Schauspielabteilung der HKB (Maren Rieger) fort. Gegenstand des Proseminars ist die Beschreibung und Analyse von beispielhaften zeitgenössischen Theaterproduktionen, die in Bern produziert oder zu Gast sein werden. Im Dialog mit den beteiligten Theaterschaffenden und Studierenden der Schauspielabteilung der Hochschule der Künste Bern sollen verschiedene methodische Ansätze und Konzepte der Aufführungsanalyse überprüft und erörtert werden. Gedacht ist, die Veranstaltung hauptsächlich in zwei grösseren Blöcken, einer davon im Rahmen des Festivals „Aua wir leben“ (23.4.-2.5.) abzuhalten. Die Termine werden rechtzeitig bekannt gegeben.
Eine Teilnehmerbeschränkung ist leider unumgänglich. Die ersten 15 Anmeldungen im System ephi werden berücksichtigt.

Am Berliner Theatertreffen sind jährlich die zehn „bemerkenswertesten Inszenierungen“ (www.berlinerfestspiele.de) zu sehen, ausgewählt von einer Kritikerjury aus rund 400 Produktionen an deutschsprachigen Stadt- und Staatstheatern. Was kennzeichnet diese ausgewählten Inszenierungen? Welche Tendenzen des Gegenwartstheaters sind erkennbar? Wo positionieren sich die Inszenierungen im Theatersystem bzw. in der Gesellschaft? Welche Resonanz haben sie in der Presse? Im Rahmen der Exkursion werden Inszenierungen des Berliner Theatertreffens und andere Aufführungen an Berliner Theatern besucht und diskutiert. Die Arbeitsgruppen bereiten die Theaterbesuche vor und führen danach eine detaillierte Analyse der „Dramaturgie der Dinge“ (Raum, Licht, Kostüme, Requisiten, Musik und Geräusche) durch, die als Grundlage für die Diskussion über die Ästhetik der Inszenierungen sowie ihre (politische) Stossrichtung und ihre gesellschaftliche Bedeutung dient. Das Lehrveranstaltungsprogramm in Berlin wird durch Gespräche mit TheaterkritikerInnen und schaffenden ergänzt. Nach Möglichkeit werden Besuche in aktuellen Ausstellungen und kulturellen Institutionen in das Programm integriert.

Im Bereich des zeitgenössischen Tanzes werden Aufführungen oft nicht (mehr) als ‚Stücke’, sondern als ‚Performances’ bezeichnet. Wie unterscheidet sich die ‚Performance’ vom ‚Werk’? Was verbindet ‚Tanzperformance’ und andere Formen der ‚Performancekunst’? Und was ist überhaupt ‚Zeitgenössischer Tanz’? Solche Fragen sollen im Proseminar aufgeworfen und behandelt werden. Anschauungs- und Untersuchungsmaterial bieten Aufzeichnungen (DVD/Video) von zeitgenössischen Tanzperformances (z.B. Meg Stuart, Anne Teresa de Keersmaeker, Xavier Le Roy, Jérôme Bel, Gilles Jobin usw.) sowie – je nach Angebot – aktuelle Aufführungen. Theoretische Texte zu zeitgenössischem Tanz und zu Performance bilden ausserdem die Diskussionsgrundlage.