Die tänzerische Bewegung stellt für die wissenschaftliche Analyse eine besondere Herausforderung dar. Sie entzieht sich der Fixierung und dadurch einer Schematisierung durch festgeschriebene Untersuchungsmethoden. Trotzdem entwickelt die Tanzwissenschaft Analyseverfahren, die den Spezifika von Tanz begegnen sollen. Wie kann der tanzende Körper im Rahmen der Aufführungsanalyse verortet und untersucht werden? Wie ist seine choreographische Inszenierung zu analysieren und wie bewegt er sich überhaupt? In der Übung untersuchen wir verschiedene Modelle zur Systematisierung von tänzerischer Bewegung, angefangen bei Susan L. Fosters «Reading Dancing» aus dem Jahr 1986. Ziel ist es, ein grundlegendes Instrumentarium zur Tanzanalyse zu erarbeiten. Deren Unzulänglichkeit soll dabei stets mitgedacht werden und nach Möglichkeit zur Diskussion von neuen Lösungsansätzen führen. Nebst einem Blick auf die historische Entwicklung werden wir die Verfahren kritisch diskutieren und in der praktischen Anwendung überprüfen. Vorgesehen sind hierzu Vorstellungsbesuche von Maguy Marin, Anna Huber, Thomas Hauert und Alain Platel, die im Rahmen des Festivals Tanz In. Bern in der Dampfzentrale gastieren.

Ein Ordner mit ausgewählten Texten wird zu Semesterbeginn bereitstehen.

Die These von der Modernität Shakespeares, ja sogar von seiner Zeitgenossenschaft, die der aus Polen stammende Dramaturg und Literaturwissenschaftler Jan Kott 1965 so programmatisch wie wirkungsmächtig über seine berühmte Aufsatzsammlung schrieb, ist mittlerweile so oft wiederholt worden, dass sie mitunter droht, zum Klischee zu werden. Und dennoch sind seine Stücke, aber auch seine Person ein fester Bestandteil unseres kulturellen Lebens. Dabei ist die Auseinandersetzung längst dem Bühnenraum entwachsen und dominiert alle kulturellen Felder: Vom Roman über Verfilmungen, von Comics, touristischen Attraktionen bis zu Theater-inszenierungen. Allein schon die Ubiquität des Elisabethaners scheint seine Aktualität zu bezeugen.

Das Seminar versucht durch eine weitgesteckte tour d’horizon von Theaterproduktionen, literarischen Adapationen, Verfilmungen und Appropriationen der Populärkultur die Umrisse und Funktionen dieser ‚Zeitgenossenschaft’ zu befragen und näher in den Blick zu nehmen.

Das Seminar wird teilweise in englischer Sprache stattfinden!

Ein Ordner mit ausgewählten Texten wird zu Beginn der Veranstaltung bereitstehen. Ab Juni wird es zu diesem Seminar auf Ilias eine einführende Lektüreliste geben.

In der Zeit ihrer Neuformierung von 1970 am Halleschen Ufer bis in die 1980er Jahre am Lehniner Platz war die Berliner Schaubühne das bedeutendste Theater der europäischen Welt. Hervorgegangen aus den Turbulenzen der 1968er Bewegung, zogen die Produktionen und die theoretischen Äußerungen ihrer prägenden Regisseure (Peter Stein, Klaus Michael Grüber) und Dramaturgen (Dieter Sturm, Botho Strauß) eine theaterhistorisch exemplarische Spur weltanschaulicher und ästhetischer Positionen. Die Produktionen zeugten von der widersprüchlichen, vieldimensionalen Komplexität geschichtlicher Prozesse und gegenwärtiger Wirklichkeiten. Das Seminar widmet sich der kulturhistorischen Erforschung der theatralen Formen, weltanschaulich-ästhetischen Haltungen und philosophischen Bezugsrahmen der äußerst gegensätzlichen Schaubühnenproduktionen der frühen Siebziger des vergangenen Jahrhunderts. Anhand exemplarischer Inszenierungsanalysen sollen die für diese Inszenierungen konstitutiven epistemologischen, kunst-, körper-, mentalitäts- und alltagsgeschichtlichen Perspektiven herausgearbeitet und auf diese Weise ihr kulturhistorischer Ort bestimmt werden.

Die Belgier kamen, erregten Aufsehen und siegten. Flämische Produktionen v. a. aus Brüssel eroberten internationale Theater- ebenso wie Tanzbühnen und Festivals (post-)dramatisch im Sturm und sind von dort seit den 1980er Jahren nicht mehr wegzudenken. Im Bereich des zeitgenössischen Tanzes und Theaters hat der geographisch kleine Raum Flandern somit unverhältnismässig viele international berühmt gewordene ‚grosse’ Theater- und Tanzkünstler-innen und -künstler hervorgebracht. Jan Fabre, Anne Teresa de Keersmaeker, Wim Vandekeybus, Meg Stuart, Alain Platel, Jan Lauwers, Sidi Larbi Cherkaoui oder Thomas Hauert sind nur einige Namen, die international für die stilbildenden bis avantgardistischen Bühnenkünste aus Belgien stehen.

In diesem Seminar geht es darum, die belgische Theater- und Tanzszene exemplarisch kennenzulernen, ihre Ästhetiken zu analysieren, zu vergleichen und ihre Bedeutung auch theoretisch im weiteren Kontext des zeitgenössischen/postdramatischen Tanz- und Theater-schaffens zu diskutieren. Dies soll anhand von ausgewählten Beispielen – aktuellen Aufführungen (am Festival ‚Tanz in Bern’) und DVD-Visionierungen – sowie über theoretische Texte zum Thema geschehen. Dabei ist ausserdem zu fragen, weshalb dieser ‚Boom’ überhaupt entstanden ist, wie/ob er sich über die Werke oder auch über bestimmte förderpolitische Strukturen, über Kreationsbedingungen und Distributionsverfahren, über ‚Schulen’ oder über andere künstlerisch-biographische Traditionslinien erklären lässt.

Ein Ordner mit ausgewählten Texten wird zu Beginn der Veranstaltung bereitstehen.

Die historische Erfahrung des 20. Jahrhunderts, bes. nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs, hat das Interesse an Hamlet als Figur – mitunter auf Kosten seines gleichnamigen Dramas – auf besondere Weise stimuliert: Die Figur eines jungen Intellektuellen, der sich, angesichts der Unübersichtlichkeit und Unordnung des historischen Augenblicks, nahezu gelähmt findet, bot und bietet zahlreiche und vielfältige Möglichkeiten der Identifizierung und Auseinandersetzung für Schauspieler, Regisseure, Autoren und ihr Publikum. Die Vorlesung versucht anhand ausgewählter Beispiele die Spuren dieser Faszination bis in die jüngste Gegenwart zu verfolgen. Dabei werden Inszenierungen ebenso in Betracht gezogen wie literarische und filmische Adaptionen. Durch einen komparatistischen Blick, der nicht allein deutschsprachige Bearbeitungen berücksichtigt, wird sich ein vielschichtiges Bild einer sich zunehmend internationalisierenden Kunst-Szene ergeben.

Ein Ordner mit ausgewählten Texten wird zu Beginn der Veranstaltung bereitstehen.

"Ein Schönes ist, was Anfang, Mitte und Ende hat“ stellt Aristoteles in seiner Poetik fest und gibt damit eine entscheidende Direktive für jede Art von dramatischem Text. Gilt dieses Diktum immer noch? Was macht Gustav Freytag daraus? Wie wehrt sich Brecht dagegen? Was halten René Pollesch und andere zeitgenössische Theatermacher davon? Ausgehend von Aristoteles' Poetik widmet sich die Veranstaltung der Erarbeitung dramaturgischer Grundbegriffe. Anhand ausgewählter Dramen und Aufführungen werden narrative Strukturen und Funktionen hinterfragt und die praktische Umsetzung bzw. die bühnentechnischen Implikationen dieser Texte untersucht. Als Vorbereitung auf den Kurs wird die Lektüre von Aristoteles' Poetik sowie Sophokles' Oedipus rex erwartet. Eine detaillierte Liste der zu diskutierenden Theatertexte und Aufführungen folgt in der ersten Sitzung. Folgende Ausgaben dienen als Grundlage:
* ARISTOTELES: Poetik. Griechisch/Deutsch, hg. und übersetzt von Manfred Fuhrmann. Stuttgart 1982.
* Dramaturgie-Kapitel in: Kotte, Andreas: Theaterwissenschaft. Eine Einführung. Köln 2005. S. 202-222.
* SOPHOKLES: König Ödipus. Tragödie. Übersetzt von Kurt Steinmann. Stuttgart 1986.

In Ergänzung zum Grundkurs widmet sich die Übung verstärkt der Analyse von Aufführungen. Die fachkundige Analyse läßt Strukturen und Mechanismen einer Aufführung erkennen und ermöglicht solchermaßen nicht nur nicht nur einen Rückschluß auf das theatrale Ereignis sondern bildet die Voraussetzung für jede dramaturgische Arbeit. Anhand der Fragen, wie sich das Gesehene beschreiben und mit welchen theoretischen Ansätzen sich eine Aufführung am prägnantesten erfassen läßt, sollen die Studierenden an diese – für die Theaterwissenschaft zentrale Methode – herangeführt werden. Zudem stehen praxisorientierte Fragestellungen von Dramaturgie im Zentrum dieser Lehrveranstaltung. Der Besuch der Übung im Anschluss an den Grundkurs ist obligatorisch und kann nicht in einem anderen Semester vor- bzw. nachgeholt werden.

Im Mittelpunkt des Seminars steht die Auseinandersetzung mit einem der meist bearbeiteten Stoffe der Weltliteratur. Durch eine Beschränkung auf die jeweiligen Pakt-Szenen wird Vergleichbarkeit angestrebt. Die praktische Anwendung des begrifflichen Grundinventars für die dramaturgische Textanalyse und die Produktionsdramaturgie wird die Konsequenzen aufzeigen, die aus der Variation der Paktsituation für die einzelnen Werke, Inszenierungen und deren Wirkung resultieren. Wie können ein Motiv und ein Stoff verändert werden, damit sie eine spezifisch zeitgenössische Wirkung entfalten? In sieben Werken der Faustliteratur wird jeweils das Verhältnis zwischen Faust und Teufel/Mephisto dramaturgisch analysiert. Die Kenntnis von Faust-Verfilmungen und Inszenierungen wie jener von Peter Stein ist als Diskussionshintergrund von Vorteil. Visionierungen gehören als Bestandteil zum Seminar.

Es gibt eine Form kultureller Praxis, die nur ausnahmsweise in die Feuilletons der Zeitungen Eingang findet: die Laienbühne, das Liebhabertheater, der dörfliche Theaterverein oder die lokale Theatergesellschaft. Das Seminar setzt sich zum Ziel, dieses Phänomen in seiner geschichtlichen Entwicklung, vor allem aber in seinen heutigen Formen und Ausgestaltungen zu untersuchen. Die Studierenden werden sich eingehend mit jeweils einer der zahlreichen schweizerischen Laienbühnen (Liste der schweizerischen Laienbühnen: http://www.volkstheater.ch/vereine.asp) in Kontakt setzen und aufgrund eines im Seminar erarbeiteten Fragebogens Interviews mit Darstellern und Darstellerinnen, mit Regisseuren und weiteren Personen führen. Diese Feldforschung soll durch andere Dokumentationsformen (Plakate, Texthefte, Theaterstücke, Notizen, Fotografien, Zeitungsausschnitte, Fotografien, Tonband-/oder Videoaufzeichnungen) ergänzt werden. Das Theaterspiel der Laien soll dabei in seinem sozialen Kontext, in seinem Stil und seiner Totalität wahrgenommen werden, als Freizeitbeschäftigung und als Form des sozialen Umgangs mit anderen. Der Ausdruck „Experten des Alltags“, eigentlich geprägt für die Teilnahme von Laien an Produktionen der professionellen Freien Szene und an Stadttheateraufführungen, umschreibt recht genau ein wesentliches Ziel des Seminars, nämlich die Besonderheiten nichtprofessionellen Theaterspiels herauszufinden. Die Methoden Teilnehmende Beobachtung und Aufführungsanalyse sollen einander ergänzen. Deshalb die Zusammenarbeit zwischen dem Institut für Populäre Kulturen der Universität Zürich und dem ITW Bern. Für dieses gehört das Seminar zum aktuellen Forschungsprojekt STEP (Teilprojekt „Das Theater der Schweiz“; http://www.theaterwissenschaft.ch/).

An den Wiener Festwochen sind jährlich ca. vierzig Schauspielproduktionen sowie zahlreiche Produktionen weiterer Sparten aus unterschiedlichen Ländern zu sehen. Im Rahmen der Exkursion werden Inszenierungen der Wiener Festwochen und ggf. andere Aufführungen an Wiener Theatern besucht und diskutiert. Die Arbeitsgruppen bereiten die Theaterbesuche vor und führen danach eine detaillierte Analyse der Inszenierungen durch, die als Grundlage für die Diskussion über die jeweilige Ästhetik sowie die (politische) Stossrichtung und die gesellschaftliche Bedeutung der Produktionen dient. Die Aufführungen werden unter besonderer Berücksichtigung des Schauspielstils untersucht: Was kennzeichnet diesen? Wo positionieren sich die Inszenierungen im Theatersystem bzw. in der Gesellschaft? Welche Resonanz haben sie in der Presse? Welche Tendenzen des Gegenwartstheaters sind erkennbar? Insbesondere sollen in den Referaten und Diskussionen zum einen die konkreten Formen und Qualitäten ostentativen Körpergebrauchs beschrieben und analysiert werden. Zum anderen stehen daran anschliessend die Prozesse der Figuration und Subjektkonstitution im Zentrum des Interesses. Das Lehrveranstaltungsprogramm in Wien wird gemeinsam mit dem Institut für Theater-, Film- und Medienwissenschaft der Universität Wien durchgeführt. Besuche in aktuellen Ausstellungen und kulturellen Institutionen ergänzen das Programm.